"美丽新世界" 展览现场
花，收藏级艺术微喷，100×110cm，2022，8+1Ap
4月9日，李舜最新个展“美丽新世界”在飞地艺术空间顺利开幕。作为“互联网写生”系列2022年的新作首展，李舜将话题直接聚焦在疫情、时代与虚拟世界。封闭的日子里，人们应该如何去重新观看这个世界，成为了他近年来创作的重心。
李舜从来不希望自己的艺术灵感被单一的媒介所束缚。秉承着“观念先行，表达为主”的基础，他将生活与艺术相融，化一切的媒介为自己表达的工具，工具的选择则视情况而定。李舜的艺术创作挑战着人们安居于传统框架内的固有思维。除了作品表面的内容，他更玩转于“形式”。文本与图像、虚拟与现实、历史与当代之间的张力都得以重新被定义。
2009年，大三的李舜第一次在黑白胶片摄影课尝试以摄影作为表达的媒介，开启了“光”系列的创作。穿梭城市车水马龙之际，不忘记录流逝的光影轨迹。深受杭州“多少楼台烟雨中”的滋养，他将捕捉到的光影素材转换为中国传统书法，以当代的方式再现古人笔墨。他甚至区分了不同城市之间的光影笔墨：繁华大都市是湍急的，二三线城市则是轻缓的——如此反差，恰有陶渊明归园田居之致，也为之后的“互联网卧游”铺下了基础。
光
“光”系列延续了李舜长达多年对摄影媒介的反思与探索，包括《我们生存的立足点除了不断消逝的现实以外，别无其它》《混沌的平行世界》《林泉高致》《格物致知》以及《瞬间的永恒》，他抒发了在当今全球化消费主义与互联网时代作用下、怀念古人“文牍往来、吟咏酬酢”的情感，并试图提出一种将传统与现代融合的可能性。[1]
我们生存的立足点除了不断消逝的现实以外，别无其它5-6，摄影，收藏级相纸艺术微喷100×100cmx2，2009
格物致知-兰亭集序，摄影，数码后期，收藏级手工宣纸，艺术微喷，80×260cm，2017
当代艺术家无法规避题材饱和的环境。与其奋力挖掘新的题材，过去题材的再创作也成为他们重要的表现手法。马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）把小便池搬进博物馆，安迪·沃霍尔（Andy Warhol）把超市里的番茄汤罐头打印在画框里，莫瑞吉奥·卡特兰（Maurizio Cattelan）用胶布把香蕉贴在墙上……今天，有李舜将逝去的光影拼接成“书法”。
拼接的过程本身就是一个谎言。中国传统书法讲究下笔连贯、一气呵成，但李舜的“书法作品”由不同时间、空间所拍摄的碎片化的素材拼接而成。他认为这样的方式并非全然在解构书法，而是借助摄影的媒介去激发对传统文化的耐心审视。现实生活中，李舜戏称自己手写的汉字毫无美感，以至于他在作品上的署名都是拼音，这使他模拟名家字体的行为更加生动。其面貌具有“以假乱真”的效果，以陌生的形式回应了“摄影复制现实”的普遍期待，这也是戏谑与重构。[2]
瞬间的永恒，相纸，混凝土，考顿钢，240×115x3.14x21cmx3，2015
《瞬间的永恒》中，李舜加以雕塑的媒介，凝固了光影，并赋予触感。当转瞬即逝的光被李舜通过长曝光捕捉到痕迹、并制作成艺术品时，他用极具工业感的水泥材料再次凝结了时间的概念，使之永恒。而永恒的光是否还符合我们对光束的认知，仍然值得观众探讨。
正负
“正负”系列中，李舜注入了贯穿自己艺术生涯的“正负”与“阴阳”的概念。其中的“肖像”系列里，他首次挪用了现成的人物肖像，以相机为获取反转负片的工具，结合自己精湛的素描功底，不断挑战观众的双眼，编织了一场层层叠加的“视觉谎言”。
他首先在电脑上将爱因斯坦、达利、李小龙、鲍勃·迪伦等各个名人肖像的素材转换为负片，然后毫厘不差地手绘出来，随后再用大画幅的黑白胶片拍摄自己的画作，得到一幅正像。事实上，李舜刻意模糊了绘画与摄影的写实功能以及其中的边界。他认为在19世纪30年代摄影术的发明之后，绘画的写实功能已经被取代。当代艺术的观众“处于一种既迷恋机器的万能，又有些迷失的状态”；当代艺术家也不再具有描绘现实的责任及必要。因此，李舜的“肖像”系列中运用“反摄影”概念，重新探讨了摄影与绘画之间相对的关系与连结。[3]
肖像-Albert Einstein-2，纸上素描，摄影，8x10英寸黑白大画幅底片，25.4x20.32cmx2，2016
“肖像”系列创作过程
李舜的《Albert Einstein》与安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的挪用不同，除了依赖于原本图像语言效应，他着重于挖掘并颠倒画笔和相机这两种工具的本质，运用翻拍、反转的功能，拍摄“画出来”的负像，却得到一张张“正像的负片”。
到了“互联网写生”系列，负像已不再与李舜的绘画一比一并置，而是以不同的材料、尺寸进行呈现。“正负颠倒”让人想起了手机和电脑里一张张或高清或模糊或包含水印的截图、翻拍，“正负”不再是一个二元性的概念，而是繁琐与复杂的不断延伸。摄影的意义原本在于凝结动态的时间、运转的事物，但李舜所摄取的影像却是静态的绘画，摄影师按下快门的瞬间似乎不再具备过多意义。
这样具有趣味性的艺术创作过程中，图像内容的重点被削弱，媒介与界限之间的张力却被无限放大，这或许也是当代艺术家在人人都能“创造艺术”的环境下脱颖而出的方式。同时，即便媒介的探索已经足够精彩，李舜也丝毫没有懈怠图像的丰富性。
海面-霍乱时期的爱情，《霍乱时期的爱情》页面上素描，收藏级艺术微喷，200x354cm，2021
“正负”的另一代表系列《海面》表达了李舜广阔的山水观与世界观。他通过摄像机单机位定焦去拍摄一片海域，随后截取了其中一帧，以素描的形式手绘在了各种各样书籍的页面上，包括《太阳照常升起》《格林童话》《草叶集》以及《世界现代史1900-2000》等。[4] 在完成绘画后，李舜再用相机拍摄、反转得到负像，将打印出来的负像与原画并置，再一次探讨了相同画面信息在正负对立下通过不同媒介所呈现的世界。《海面》的作品既可以是宏观的，又可以是微观的。
“远距离看海面是具象的、整体的，但离近看时它的波纹却是抽象的。” [5]
李舜提到，“天地不仁，以万物为刍狗”，他相信历史与世界、文学与画作面前人们都是渺小的。置身于海面之间，观者可以感受海面的凝视，倾听浪花的延绵或是波涛的咆哮，浪花的声音是否还裹挟了丰富的文字信息，实在值得细品。
互联网写生
“互联网写生”系列，一开始是李舜为了参加洛杉矶Make Room的个展而创作的。当时的他认为自己过往作品太“中国”，于是想先通过谷歌地图的街景模式在洛杉矶逛一逛。他认为这样的互联网旅游与古人的“卧游”类似，恰似古代的皇亲贵族足不出户即可通过《富春山居图》遍观千里。
互联网写生-Make Room ，《毛泽东语录》页面上素描，拍立得相纸，7寸HDMI显示屏，收藏级艺术微喷，10.8×8.6cm，36×70cm，100×100cm，20×20cm×4，17.8x12.7cm，2018-2019，独版
得益于屏幕图像高清的分辨率，李舜却产生了一种雾里看花的感觉。卧游的旅程里，他看到了许多自然风光与面貌。但神奇的是，由不同时间轴拼接而成的地图，常常能让他从一条2017年的路拐进2007年。行人、汽车、楼房的更迭变化，仿佛进入了《黑客帝国》的世界。互联网写生作为一种当代现实主义的方法，却由于拼接的时间轴导致了超现实主义的场景。
如此“奇观”，在他卧游至自己曾经亲身去过的地方时尤为明显，不由激起他心中柔软的一面，感慨物是人非、白驹过隙，这或许也奠定了他结合绘画与书页时的浪漫诗意。同时，闲逛至各大美术馆、博物馆，李舜得以重新学习了许多学生时代时常临摹的经典大师杰作。比如丢勒，就是他学生时代经常临摹的对象。
“互联网卧游”中的图像加载错误
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卧游本身是一个自由游览的过程，因此李舜倾向于随机为那些在一瞬间打动了自己的画作“摄取”截屏，然后在自己铺满书籍页面的纸张上进行写生。截屏又叫“屏幕快照”，他认为这本身就是一个摄取影像-即摄影的过程。在摄影术尚未发明的年代，写实派巅峰的油画们重新被科技时代的电脑屏幕所摄取，并置于当代艺术家李舜的再次创作之间，从而产生了全新的语境。
毕业于国美跨媒体专业的艺术家李舜擅长玩转各媒介间的界限，三幅成组的“互联网写生”系列作品包含了原作截屏、绘画临摹及负像打印，相同图像经过不断的挪用与再挪用，制造了一种同时具备正序、并序甚至乱序的观看维度，也反映了法国哲学家Guy Debord（居伊·德波）所提出的景观社会下，数字化、像素化的表象导致人们接受信息的局限性。
互联网写生-梵高先生-2，《霍乱时期的爱情》页面上油彩，木炭，收藏级相纸艺术微喷，氧化铝板艺术微喷，80×55cm，50×34.5cm，174×200cm (尺寸可变)，2022
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互联网写生-Dead Blue Roller，《霍乱时期的爱情》页面上油彩，氧化铝板艺术微喷，收藏级相纸艺术微喷，50×40cm, 50×40cm, 47.5×32.5cm,2022
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"美丽新世界" 展览现场
每一次书籍页面的选择都能宣泄李舜当下的情绪。在全新个展“美丽新世界”中，李舜则主要选择了《美丽新世界》与《霍乱时期的爱情》，隐喻当下的社会。
互联网写生-霍乱时期的爱情-花，书籍细节
李舜也并不惧怕将自己的临摹与梵高、勃鲁盖尔、鲁本斯、丢勒等大师原作直接对比，他甚至笑称自己是一定不如梵高画的好的，他看重的是“观看”的传达。在接下来的艺术创作中，他会继续“光”及“互联网写生”系列的延伸，加深书籍的阅读，在工作室里与大师们进行跨时空交流。他表示，或许人类的未来真的会走向元宇宙、NFT，就像谷歌地图也是一个元宇宙。至此，互联网卧游也许会在人们的生活里侵占更多的部分。
点击视频，仿照艺术家线上参观模式，
沉浸式体验“互联网写生”的创作过程
“线上卧游——盖蒂中心篇”，了解扬·范·休森作品《瓶花》
“线上卧游——莫瑞泰斯皇家美术馆篇”，了解鲁本斯，勃鲁盖尔合作作品《人类堕落的伊甸园》
"美丽新世界" 展览现场
[1] 《画刊》特稿︳李舜：影像造字，时空书写，画刊杂志公众号，2021.3.11
[2] 《画刊》特稿︳李舜：影像造字，时空书写，画刊杂志公众号，2021.3.11
[3] 李舜：媒介的重置，范良骏， 2019.6
[4] 我的时代格物 集美·阿尔勒巡回讲座回顾，三影堂摄影艺术中心公众号，2020.12.12
[5] 我的时代格物 集美·阿尔勒巡回讲座回顾，三影堂摄影艺术中心公众号，2020.12.12
关于艺术家
About the Artist
李舜，1988年出生于江苏徐州，先后获得中国美术学院跨媒体艺术学院学士及硕士学位，现工作生活于杭州。李舜的创作灵感来源于摄影，光，是其中的绝对主角，而正负像画面之间的转换，又成为他作品的逻辑根源。他的创作呈现出多样性的状态，尤其注重各种媒材的表现力。其作品内涵密集，对他而言，摄影艺术的目的，始终是如何专注于作为某种体验或感受的图像，为此应该去进行意念的生成和领悟的喻示，由接受性视觉印象走向积极性视觉表现。主要展览包括：《过去的未来主义》，北京展览馆，北京（2021）；《卧游》，北京现在画廊，北京（2019）；《Chinglish》，MakeRoom，洛杉矶（2019）；《海面》，北京现在画廊，北京（2018）；《巴塞尔艺术博览会（香港）李舜-个人项目》，香港会议展览中心，香港（2018）；《李舜》，北京现在画廊，北京（2016）；《后笔墨时代：中国式风景》，广东美术馆、浙江美术馆，广州、杭州（2018）；《时空书写：抽象艺术在中国》，上海当代艺术博物馆，上海（2015）等。机构收藏：白兔美术馆（澳大利亚），昊美术馆（上海），知美术馆（成都），广东美术馆（广州），Foundation Tichy Ocean（瑞士），HL Art Collection（美国）等。
Li Shunwas born in Xuzhou, Jiangsu Province, China, in 1988. He graduated from the School of Intermedia Art from China Academy of Art with master's degree. Currently works and lives in Hangzhou, China. Inspired by photography, light is the absolute protagonist of Li's art practice, in which the transformations between positive and negative images are at the root of his works. His artworks are diverse, with a particular focus on the expressiveness of various mediums and materials. His works embody rich connotations. For Li, the purpose of photographic art is always to focus on the image as an experience or human emotions. To do so, one should generate ideas and grasp symbolism and metaphors, shifting one's position from receiving visual impressions to actively creating visual expressions. Li has actively participated in numerous exhibitions both at home and abroad. Significant exhibitions include Futurism of the Past, Beijing Exhibition Center, Beijing (2021); Imaginary Tour, Beijing Art Now Gallery, Beijing (2019); Chinglish, Make Room, Los Angeles (2019); Oceanic Scroll, Beijing Art Now Gallery, Beijing (2018); Hong Kong Art Basel-Li Shun Project, Hong Kong Convention and Exhibition Center, Hong Kong (2018); Li Shun Solo Exhibition, Beijing Art Now Gallery, Beijing (2016); Post-Brushwork Era: Chinese Landscapes, Guangdong Museum of Art & Zhejiang Art Museum, Guangzhou & Hangzhou (2018); Calligraphic Time and Space: Abstract Art in China, Power Station of Art, Shanghai (2015), etc. His works can be seen in numerous private and public collections, including: White Rabbit Gallery (Australia), HOW Art Museum (Shanghai), ZHI Art Museum (Chengdu), Guangdong Museum of Art (Guangzhou), Foundation Tichy Ocean (Switzerland), HL Art Collection (America).
艺术家和飞地艺术空间
图片由艺术家提供与飞地艺术空间拍摄
以上内容由飞地艺术空间综合整理汇编
排版：王海纳，汤若冰
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正在展出
What's on
李舜 Li Shun
展期 Duration
2022.4.9-5.29
深圳市南山区华侨城创意园北区B4栋1楼东
1F East, B4, North District, OCT-LOFT, Nanshan District,
Shenzhen, Guangdong, China
关于飞地艺术空间
About Enclave Contemporary
作为飞地品牌旗下的全新画廊，飞地艺术空间ENCLAVE CONTEMPORARY立足中国大湾区深圳，以输出开创性的展览与内容为核心己任，与今天的艺术家和观众共同探讨全球语境和背景下的当代艺术如何参与社会与时代的激变和革新。除了为充满活力与独创性的艺术家们提供持续专业的代理、推广与学术研究工作，飞地艺术空间也将积极为全球视野下的艺术机构与收藏家提供具有建设性和前瞻力的咨询与服务。
As a new gallery under the Enclave flagship, ENCLAVE CONTEMPORARY, based in Shenzhen, an essential integral of the Greater Bay Area of China, whose core mission is to produce ground-breaking exhibitions and contents that explores the way in which contemporary art practices engage in radical changes and innovation in a global context, with the artists and audience. In addition to providing ongoing professional representation, promotion, and academic research for dynamic and unique artists, Enclave Contemporary will also actively offer constructive and forward-looking advice and services to art institutions and collectors with a global perspective.
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