《格竹》系列《控制论04》绢本水墨 45×180cm 2018年
树高千尺不离根
#Q:画廊
#A:黄几
#Q: 在一系列创作实验中，具体针对的是什么?通过这些作品，你希望表达什么诉求?想解决什么问题?或者说，你为什么采取这样的方式?
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#A: 本科时期的毕业创作应该算是第一张我的个人“创作”。当时历经极其漫长且复杂的创作阶段：一方面反思了学院教育下的创作方法是如何形成的，另一方面也在思考自己的创作体系应当如何构建，即我为什么创作、我如何创作之类的问题。
后来这件作品名为《蜉游》，画的是一群表情模糊的人在泳池中绕圈追逐，有点超现实主义的场景。表现的是自我和周围的关系以及对“荒诞性”的思考。作品的介绍是摘自张九龄《感遇》中的两联诗：“鱼游乐深池，鸟栖欲高枝。嗟尔蜉蝣羽，薨薨亦何为。”算是在弱冠之年对于人生思考的呈现。画面技法带有一定的实验性，也是对体系中以写实主义为主导的创作方式的一种反思。我记得当时的评分不高，但反而却获得了导师和大部分观众的认可。之后便顺着这个思路做了一系列作品。
《蜉游之一》纸本水墨 250x220cm 2012年
《 蜉 游之二 》纸本水墨 110x110cm 2013年
《蜉 游之三/之四》 纸本水墨 110x110cm 2015年
不过我会一直警惕着不让自己的创作过于符号化,所以在研究生期间做完4张《蜉游》系列之后就停了。也正因这个想法，每个阶段的创作也总是会想办法更新迭代。这个更新不是说我一定比之前进步了，而是总会跟之前所呈现出来的符号或图式在有关联的情况下还要有较为明显的区别。这些迭代的过程伴随着人生不同的阶段和际遇，我也会尽可能真实地把它们呈现在作品当中。
后面《刺》这个系列是从硕士毕业创作开始的。当时我还在探讨着如何找到创作的入口，追问着我和这个城市及社会的关系。“荒诞”“触感”依然是我创作中相对重要的主题。
《有刺的树01/04》 纸、绢本水墨 50×40cm 2016年
《有刺！》纸、绢本水墨 2016年
#Q: 你曾说把触觉感受转化为视觉再呈现心理的感受一直围绕你创作，那么为什么会特别关注由刺生发触觉上的痛感？
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#A: 视觉、触觉是我们感知这个世界的方式，很多时候我们的感觉或情绪都来源于此，甚至大部分艺术家都在试图通过创作来传递视觉或触觉的信息。一开始我对“触感”的记录还是比较个体的，有很多手稿是关于按摩或是抓痒之类的身体感知，当时还想拍一些录像记录身体对触感的不同反应。
艺术作品所传递的往往不是“触感”本身，而是因某种观感所产生的“通感”。那段时间我经历着情感的失落，那种“痛”的感觉在一定程度上也体现在当时所创作的作品中。比如《痛》和《触不可及》系列，里面有一个叫《HURTS》的录像，作品以仙人掌为主体，记录在剪断它的每根刺之后，按原位再扎回去的过程。这种无言的残酷是当时情绪的最真实的记录，也是对某些社会事件的暗喻与投射。这个作品的视觉感受是很强烈的，而且每个看录像的人都很不适，都能体会到这种痛感。从“触感”到“痛感”，是个人情绪在作品中的投射，也是作品迭代过程中的自然衍生。
《痛》（截图）双屏录影、彩色、无声 90'27'' 30'35'' 2016年
《触不可及13》 三联画 纸本水墨 115×30×3 2018年
#Q: 或许每个人都有各自的习惯，当你在工作中会想哪些事？描绘他们会成为你自己内心状态的可信证明吗？
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#A: 除了记录个人情绪以及身体感知之外，我的作品也还有很多理性成分。比如说对于艺术史、艺术现象或工作方式的思考。最近几年我一直持续着一个叫《他写她诵》的书写行动，也是对书法现状的很基本的反思。书法发展到今天，基本脱离了实用性而仅剩下艺术性，而大部分书法家在做的也只不过是“掌握技术”和“炫技表演”两件事。他们的作品往往缺少内核，只是在抄一些古文，或者是一些不知所云的内容。如果那些内容跟书法家的关系不大，就存在着一个“真实性”的问题。相对地，《他写她诵》则尝试以“关系”给内容赋予意义。在过去的几年中，我与异地的女友约定，每天对方背诵一篇诗词，我抄写下来。诗词的选择伴随着情绪和节令，以诗词寄情愫。我跟她的关系是真实的，这个约定也是真实的，那这个内容就给书写赋予了意义。
《他写她诵》行为艺术 尺寸可变 2018-2020年
我还做了很多跟文字相关的尝试。比如《呸》这件作品，首先体量很大，有6-7米长，书写方向跟传统书法也不一样，而且借用了现在流行的视频弹幕的方式，把书写的字重叠，并通过收集身边朋友“呸”的录音，主观地将他们声音中的情绪转化成笔墨和书写状态，从而探讨“情绪”在书写当中的重要性。作品的视觉感受可能是新的，探讨的问题内核却是相当传统的。古代的经典作品，不管是颜真卿的《祭侄文稿》，还是李叔同的《悲欣交集》，每一个笔墨都承载着饱满的情绪。这应当是书法家们书写时最基本的表达，只是我们现在除了“炫技”，别的都忘了。
我是希望通过这类的作品能够让那些还在写书法的人有所感受吧，这是我的一个小小的愿望。虽然很多人看到《他写她诵》或《呸》这类作品时，第一反应还是在评价我这张写的不错，那张差一点，还是回到了形式和技术的探讨。但是我必须要说出想说的话，即便我改变不了什么。
《呸》（局部）声音、书法 尺寸可变 2017年
#Q: 你的创作大多数围绕“水墨”进行，但也会延伸到声音装置和影像。所以你会觉得自己是水墨艺术家吗？而这些媒材的延伸是出于什么样的思考？
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#A: 就像上面所说，我很害怕自己的创作会陷入一种过分符号复制的状态，所以也很警醒自己不要过早地被定性。这意味着如果我认同了自己水墨艺术家的身份，那么在某种程度上相当于确定了我的思考方式是“水墨”的，而不是其他。水墨对我而言，是一种媒介，也是一种工作方式；同样，我也希望能拓展自己对于不同媒介创作的驾驭能力。
其实，对于媒介的选择，我有一个很朴素的标准。首先考虑媒介的使用和想表达的命题是否适合，其次就是我的能力是否可以驾驭。跨界对我来说是非常重要的，因为不同的技术不只是技术本身，更是不同的思维方法和工作方式。如果我平时是拿摄像机的，那么我观察这个世界的视角就不一样了；如果我是做雕塑的，我想的问题也不会一样。电影中的蒙太奇，摄影中的镜头语言，建筑和雕塑中的空间意识等，都填补着我在“水墨”之外的工作方式。但是对于媒介的选择也有一种递增关系。首先是水墨，这个技术对我来讲应该是最熟练的。其次是书法，“书法意识”是我对当代艺术的认知途径，特别是对于“抽象”的理解上。比如《触不可及》系列，其实是通过笔墨和线条抽象化地呈现个人情绪，这与传统书法在本质上是相似的。然后才到录像、摄影或装置等，这一部分技术我还在学习和了解当中。
《竹记04》绢本水墨 48×60cm 2018年
《格竹—直曲》 绢本水墨130×50cm×2 2018年
#Q: 在当前的创作中，哪些要素你认为是至关重要的？
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#A: 我会很看重作品当中“自我”的映射。陈侗老师曾经说过：“关于作品自传性，我想应该成为创作的原则，否则我们就会成为接活的匠人。”我非常认同这句话。但我理解的“自传性”可能并非是叙事的，而是“自我”在公共意义和个体意义等层面的认知。这些方面的思考也有助于梳理个人的创作跟艺术史及整个文脉的关系。比如《格竹》系列作品，尝试探讨“竹”这个传统经典题材，在当代的语境和视觉习惯中能否被进一步的拓展，以及那些我们习以为常的隐喻和符号在自我认知中是否奏效等问题。这既关乎于艺术史及传统文脉的深究，更是基于十分个人的视角和观察方式的探索。
《格竹—阴阳》绢本水墨 130×50cm×2 2018年
Artist
黄 几
Huang Ji
1990年生于广东
2012年毕业于广州美术学院中国画系 获学士学位
2016年毕业于广州美术学院中国画学院 获硕士学位
2020年至今中国美术学院博士研究生在读
广州美术学院外聘教师
现工作生活于杭州、广州
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个展
2020 比兴——孙晓乐、黄几双人展，ISG0画廊，上海
2019 黄几画谱，尚榕美术，广州
2019 破秩序——方圆、黄几双个展，在地文化，广州
2018 哦/0，腾挪空间，广州
2015 复覆——梁盛业、黄几双个展，璞时画廊，广州
联展
2020 清平乐：当代水墨七人展，安簃艺术空间 ，上海
2020 观今：海涵艺术空间开幕展，海涵艺术空间，深圳
2019 缱绻——2019芳草地艺术节，芳草地画廊，北京
2018 Inter-Youth国际青年绘画展，中国美术学院美术馆，杭州
2018 水墨共同体2018，北京中国民族文化宫，北京
2018 并置的时态，城市创艺空间，上海
2018 工以载道——第七届广东工笔画展，大学城美术馆，广州
2018 第四届广东岭南美术大展，岭南画派纪念馆，广州
2018 低复线叙事——进行中的区域跟踪，二十一空间美术馆，东莞
2018 青春心印——第五届关山月美术馆青年工笔画展，关山月美术馆，深圳
2017 抛物线广东新青年当代艺术邀请展参展，汇谷艺术空间，广州
2017 潜变——南方青年水墨的新视域，广州美术学院美术馆/古元美术馆，广州/珠海
2016 燕歌行——青年水墨邀请展，有润美术馆，南京
2016 镜像——2016毕业之星的选择，盒子艺术空间，深圳
2016 如约——2016学院青年水墨十五人作品邀请展，新石湾美术馆，佛山
采访：张梓华
编辑 / 排版：李燕清
图片 / 资料来源：艺术家
• 本文原刊于《画廊》杂志第255期，文章版权归 GALLERY所有，转载授权请联系后台。
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文章来源: https://twgreatdaily.com/zh-hans/nwfyhHQBd8y1i3sJ3KvZ.html