一些家長將孩子的塗鴉當做藝術天分的展現，並報名繪畫班進行培養，但效果適得其反。
孩子藝術相關的能力該怎麼培養？
今天的三錦伯仟才藝通過介紹五副畫作，告訴我們藝術的核心究竟是什麼！
創造力作為一項稀缺能力，創造力是無法在培訓中獲得的，其運用也不拘泥於形式。
培養孩子創造力，需要因材施教，並遵循他們自身的興趣。
最近接連碰到幾個好朋友問我「自己家小孩本來挺喜歡畫畫，為啥在畫班學了兩年，就再也不喜歡了？」
嗯，這牽扯到幾個問題：
一是我們的孩子是否必須畫畫？
二是學畫畫為了什麼？
三是現在的畫班到底教了什麼？
了解了這三個方面，才可能找到自己的答案。
一、第一個問題，孩子是否必須學畫畫？
我的答案是不需要。
簡單來說，6歲以下孩子的畫叫做塗鴉，塗鴉這個詞來源於唐代詩人盧仝的一句詩「忽來案上翻墨汁，塗抹詩書如老鴉。」
老盧在書房看書，兒子小盧就在他的桌子案上爬來爬去，結果這個熊孩子把硯台打翻。
文人麼，見什麼都是詩書畫意，你看，這墨汁被熊孩子塗來抹去的，神似一隻難看的烏鴉呢。
所以，塗鴉其實就是玩兒，遊戲，隨便畫的意思。
在兒童成長的過程中，2歲到6歲被稱作塗鴉期，這時候孩子的塗鴉有兩個作用，一是探索，二是表達。
說塗鴉是探索，是因為孩子會發現：原來我可以指揮自己的胳膊，手，畫出圖形。
他最開始只能畫一條線，一遍遍的練習、探索，過不了多久已經能畫出一個完整的圓了。
這個新遊戲很有樂趣，塗鴉對孩子來講是一個可以反覆練習，並持續獲得成就感的遊戲。
說塗鴉是表達，是因為幼兒的語言和文字還不能幫他完整的表達出自己的所思所想，塗鴉自然就成為他記錄眼前、記錄回憶、記錄想像的一種工具。
這個工具特別好用，孩子很喜歡，在他看來，每一筆每個圖形都有含義，覺得能更明白的表達自己。
的確，從視覺藝術的角度看圖形更直觀，更容易承載故事。
所以說，孩子的畫是用來聽的，而不是看的。
雖然你看他畫的一團線，他能給你講出一個有頭有尾特別有畫面感的故事。
小王子把他的第一幅畫拿給大人看，問他們是不是會害怕。大人們很納悶，一頂帽子有啥可怕的？
「可是，我畫的不是帽子，而是一條正在消化大象的蟒蛇呀。於是我又把大蟒蛇肚子裡的情況畫了出來，以便讓大人們能夠看懂。」
這些大人總是需要解釋。
正是因為塗鴉的核心是探索和表達，畢卡索才會說「孩子是天生的藝術家」。
他是真的希望重新成為小孩兒，希望能自然的，不帶有任何目的的去表達自己，也就是返璞歸真。
這是一種極其難得，藝術家終其一生所追求的藝術理想。
這麼來看，塗鴉僅僅是一種和說話、寫字類似的表達工具，是孩子成長過程中自然而然的發生，那就壓根兒不需要學習啊，更不需要老師教。
因為沒有大人能教給孩子如何塗鴉，哪怕畢卡索也教不了。
所以我很堅持一個觀點，就是6歲以下的孩子不需要參加任何美術培訓，只需要給他塗鴉的環境，讓他去盡情享受就好了。
另外，從教育的根本目的來看，不管是自己塗鴉還是請老師教，只是手段途徑不同，目的肯定是相同的：
那就是保護並培養孩子的創造力。
這就涉及到了今天的第二個問題，學畫的最終目的是什麼？
二、第二個問題，學畫學藝術的最終目的是什麼？
我接觸過一些父母，他們覺得一定要贏在起跑線，多學一樣是一樣。
學語文、物理、化學、學外語、學鋼琴、學畫畫，感覺就像給孩子存錢一樣，只要存了足夠多的錢，孩子就能實現財務自由，邁向幸福人生。
很遺憾，我到現在也沒聽說誰是靠存錢實現了財務自由，一個都沒有。
所以贏在起跑線，多學一樣是一樣的想法從根本上就跑偏了。
任何課程、學科都是教育兩個字的載體，承載的是一個叫做「能力」的東西，一個有能力的人，才有可能邁向自由幸福的人生。
同樣，我們畫畫、接觸藝術目的是為了培養一個叫做「創造力」的能力，一種作為人的核心能力。
為什麼說它是核心，因為創造力簡單一句話解釋，就是把以前沒有的、不存在的東西造出來。
往大了說，這是人類文明持續下去的唯一推動力，現實點說，一份工作，一個公司，每個單位，每個行業都需要創造力。
創造力，才是一個人的稀缺價值，才是那個實現財務自由的原始股。
創造這個詞分開來講：
「創」就是創意、想像，是在已有的知識當中孕育未知，孵化新的想法，所以創是指新的不存在的東西。
「造」就是如何把這個不存在實現出來，表達出來，造出來。
我們的文化從古至今都強調創造的重要，包括神話。
女媧造人就是根據自己的樣子設想了人類，然後用泥巴捏出來一個個人，實現它。
同樣，希臘神話中也差不多，火神赫菲斯托斯參考美神阿弗洛狄特的樣子，也是用泥巴捏出了漂亮的潘多拉。
創造，就是孕育想法，然後實現它，是從0到1的過程。
雖然我把創和造分開來解釋，其實本身這兩個字就像凹和凸一樣是密不可分的。
了解了這一點，我們回頭再看「藝術是在培養創造力」這句話，就不覺得空洞了。
藝術家一輩子都在做一件事，就是尋找新的想法新的衝動，然後再耐得住寂寞，想辦法把他雕刻出來，畫出來，表達出來。
導演姜文在十三邀那個節目裡說自己看到《俠隱》，興奮，想拍，激動。但這個激動能維持多久？一個月，一年，幾年。
他還要想辦法保持這種衝動，要想辦法集合上千號人，琢磨用什麼視覺語言，什麼手法拍出來，剪輯出來，播出來，這又是幾年，才有了電影《邪不壓正》。
不耐得住能行麼，這才是完整的創造力。
而且，需要這種創造力的不僅僅是藝術家，人人都需要。
你看作家，寫字寫文章一定需要創造力。
春天到了，我老媽就惦記著摘點剛發芽的嫩香椿給我們吃，好吃的不得了。但我的語言就比較貧乏，只能一邊往嘴裡塞，一邊跟我媽說：「嗯，真嫩，特別嫩」。
但有一天，我在書店看到汪曾祺老先生的一本書《人間有味是清歡》。
一翻開就是他寫的香椿拌豆腐，人家就八個字「一箸入口，三春不忘」。
明代以前中國人跟筷子叫做箸，我腦子裡馬上就是那個畫面，一筷子下去，那種快活，嫩的能讓你一口記三年。
怎麼寫得這麼好，三春不忘，把一個人無比細膩的體驗，感同身受的全都表達了出來，這也是一種創造力。
創造力的保護和培養不容易，在任何時代，都只是少部分人能夠保留、獲得。
擁有創造力的人，無疑就是推動人類文明前進的中堅力量。
因為他們做的事情，是從0到1。而藝術領域，恰恰有著孕育創造力的天然土壤。
下面咱們用幾幅畫來說說為什麼藝術是培育創造力最好的途徑。
三、幾幅畫的故事，說說藝術和創造力
有一位日本畫家葛飾北齋，他畫的那一幅神奈川衝浪里，大夥都特別熟悉，今天，我們要講的是他畫的另外一幅非常傳奇的畫。
傳奇是因為畫法特別，他先把一張紙塗滿了藍色，然後找了一隻雞，讓雞現在紅色顏料里溜溜達達，再把雞拎出來在藍色的紙上溜溜達達，走來走去。
這幅畫的名字叫做《河中楓葉》，很可惜沒有被保存下來，今天看不到了，但它給我們留下了一個好問題——這是不是藝術？
因為嚴格來講，這幅畫是一個人，和一隻雞畫的，你可以和我一樣，試著閉上眼睛想像這幅畫：藍色、靜靜地河面、一陣風吹過，無數的楓葉散落下來，有一絲秋天的寧靜。
你會不會想起那一句「楓葉落，荻花干，醉宿漁舟不覺寒」。
其實葛飾北齋畫的哪條河，怎麼畫的，都不重要，重要的是他試圖通過這條河，傳遞給我們了一種情緒，感受到秋天的寧靜。
說到河，我們再看看3000多年前古埃及人是怎麼畫的河，又在傳達什麼。
這是收藏在劍橋博物館一幅棺材上的畫，棺材的主人我也不知道叫什麼，就叫小強吧。
《太陽神拉的遊行》
公元前990-前969年 灰泥木版畫
小強是埃及人，他所處的時代相信人間有白天，是因為太陽神坐著日行船航行在天空的海洋。
有夜晚，是因為太陽神晚上會坐著夜行船在陰間的河流遊歷。
看到下面那條蛇了麼，他叫做阿波佩斯，阿波佩斯是埃及神話中的毀滅神，相當於羅馬神話中的冥王哈迪斯，或者西遊記里的閻羅王。
阿波佩斯是太陽神的死對頭，總想打敗太陽神好統治世界，就會化成蛇，等待機會。所以你看，太陽神隨身帶了很多保鏢。
為什麼要在自己的棺材上畫這條河？因為小強希望太陽神保佑自己能安全的穿過河流，穿越地獄，去往一個幸福的來生。
這條埃及人的河，表達的是有關生死的宗教信仰，是對來生幸福的信念。
那中國呢，我們水墨丹青里的河流是什麼樣子？
唐代詩人柳宗元有一首《絕句》「千山鳥飛絕，萬徑人蹤滅。孤舟蓑笠翁，獨釣寒江雪。」
小時候一讀到這幾句，就會想像到一艘小船，一個老頭，煙波浩渺的江水，孤獨，寒冷。
這首詩啟發了一位南宋的畫家馬遠，畫出了一幅《寒江獨釣圖》，這幅畫今天收藏在東京國立博物館，可是天價的寶貝。
但有個問題，這麼大一張紙就畫了個小小的船，幾條波浪線假裝是水，寥寥幾筆，有點糊弄人吧？
但凡學過畫的小朋友都知道，老師告訴我們顏色要塗滿，不塗滿是因為中國藝術的獨特審美觀「留白」。
《寒江獨釣圖》南宋 馬遠
白就是空白，空白無處不在。但空白不代表什麼都沒有，就像咱們房間裡空的地方有空氣一樣，畫面里空白的地方有的是深遠，或無盡的想像。
魯迅先生曾說過：「唯沉默是最高的輕蔑！」
有時候，沉默也是一種語言，一種態度，言有盡而意無窮。所以，這幅寒江獨釣圖才會有那種煙波浩渺，身處孤獨的感覺。
中國藝術在審美上不強調逼真，不太在意真正的山和水的樣子。相反，最在意的是意境和品味，在意實和虛的關係，在意其中寄託的情懷。
中國藝術是一種心境，山水意境，方寸之地亦顯天地之寬。
所以，同樣是畫山畫水，畫花花草草，在東方叫做山水畫，在西方叫做風景畫。
接著咱們就看一幅美國畫家瓦爾的風景畫，很寫實，不一樣的美。
《愛德華堡》威廉姆·瓦爾
1820年 手工上色版畫
一個老婦人穿過前面平靜的河流和後面繁榮的農場，她在告訴人們，印第安時代已經消失了，人們要面對的是新的生活方式。
畫家瓦爾專門為這幅畫做過註解：「犁現在寧靜地翻過被千百人的鮮血浸染過的土地，古老的印第安人和雄心勃勃的歐洲人的骨灰，共同安息在這裡。」
因為這時候的美國，剛剛結束第二次對英戰爭，徹底擺脫了英國在政治和經濟上的控制，成為了一個獨立的主權國家。
瓦爾德風景畫，讓剛剛獨立的美國人第一次意識到，自己的國家也有著崇高的、美的作品。
看過了幾百年、幾千年前的藝術，我們再看一幅當代藝術家的作品。
順便插一句，其實一幅畫的原作和照片的差距非常巨大，天壤之別。
就說這個內當代藝術家內凡爾森這幅木版畫，圖片很難體會，因為它實際是5米多高，寬將近3米，相當大。
《白瀑布》路易斯·內凡爾森
1972年 木版畫
有人說，站在它的下面，會有一種壓迫感，會覺得是一條巨大的瀑布傾瀉而下，落下時激起了一片水花，還看到很多魚在奮力的向上游，逆流而上。
的確，這件作品就叫做《白瀑布》。
好，我們陸續了解了5位藝術家的作品，畫的都是河流，但意思卻完全不同。從河中楓葉到白瀑布，這一路看過來，我腦子裡有無數的問題。
藝術，不應該用很專業的技法和工具麼？
那畫楓葉的那隻雞哪裡有什麼技法。
藝術，不應該有共同的審美觀麼？
但獨釣寒江雪有自己留白的美，傾瀉而下的瀑布卻有著一種理性和抽象的美，美洲大陸的印第安河流卻是逼真，崇高的美。
藝術，不應該有著共同的目的麼？
但埃及人的棺木上是深刻的宗教信仰，美國人的風景畫中卻是強烈的民族主義，中國畫家馬遠又表達的是無盡的孤獨。
雖然他們大不同，但我很確定，一定有一個共性的東西，決定了它們都屬於藝術的一部分。
這個共性的東西就是創造力。
葛飾北齋的平靜，埃及人的重生信仰，馬遠的孤獨，瓦爾對美洲原住民的複雜情感，內凡爾森寄托在魚身上的奮力和勇敢。
這些情感不同，但無一不是每一個人所嚮往的情感。
而我們能強烈的感受到這些不同的情感，正是因為畫家們都創造性的找到了一種恰當的藝術語言，把情感傳遞、表達了出來了。
無論畫的逼真，抽象，或者留白，這些都被稱作藝術語言，是藝術家表達自己的情感、想法的一種途徑。
很明顯，在藝術中，獨一無二的想法和恰到好處的藝術語言同樣重要，它們共同構成了創造力。
所以，藝術的核心就是創造力。
所以，當我們讓第一次接觸藝術的時候，就需要很明確，藝術是一種創造，而不僅僅是畫畫、素描、塗色，或者畫的像。
所以，孩子接觸藝術的目的是希望獲得創造力的激發。
這就涉及到了我們的第三個問題：畫班到底在教什麼，是否有利於創造力的激發？
三、第三個問題，畫班教的是否有益於創造力
很遺憾，大部分畫班教給孩子的，是畫好看的畫。
當成績變成唯一目標，一切就都需要變得可量化，可考核，可見的明顯進步。
藝術教育，就是在成績和量化的洪流中被標籤化，被曲解，變形了。
可被量化和標準化的只能是技術和技法，這才是學校為什麼急迫的希望教給孩子怎麼畫的像，畫的完整，畫的好看，教給孩子素描，色彩，靜物，白描的原因。
因為可量化，可考核，可複製，看起來進步明顯，但從創造力的角度，這恰恰是舍本求末，無源之水。
熟悉我的朋友都知道，我一直推薦一本書《培養孩子從畫畫開始》。
書的作者日本美術教育家鳥居昭美，就把這種目前中國普遍存在的「過分重視美術早教，過早教給孩子畫大人審美的畫，過早接觸美術技法」的教育稱作「一根繩子的教育。」
「一根繩子的教育」妄圖用簡單的，程式化的方法來提高孩子的能力，這本就是一種妄想。
「一根繩子教育觀」不僅存在於美術培訓，大部分奧數、外語、寫作、口才的培訓都是如此。
培訓可以提高成績，但無法提高能力。
英國人莫里斯曾對比過黑猩猩和人類畫畫的不同。
在四歲之前，相同年齡段的黑猩猩不論在力度、完整性上都無情的碾壓人類嬰兒的塗鴉。
比如從頭到尾畫一條完整的線，黑猩猩一歲半就可以做到，但人類要到兩歲半才能做到。
分水嶺在四五歲的時候，人類開始發展出繪畫，但黑猩猩將一直停留在四五歲的塗鴉。
畫畫的黑猩猩《美術的發生》莫里斯
為什麼會這樣？因為繪畫作為人類藝術的典型表達形式，它不僅僅依靠的是手和眼睛。
繪畫的底層邏輯是語言、感情、人和人的關係，這些人類獨特的能力相互作用，最終產生了繪畫藝術。
人類可以通過語言，讓眼前浮現曾經的回憶；能夠通過思維，去想像還未發生的未來；可以通過聯想，將無關的事物聯繫在一起。
這些人類獨特的能力就是創造力的來源，更是決定人類藝術誕生的根本，而不僅僅是手和眼的技術。
所以，過分的在意孩子的畫面效果，過分的強調美術技法，強調所謂的知識點，看起來提高了孩子的繪畫能力，其實是在毀孩子。
因為這種培訓完全忽略孩子的發展規律，忽視孩子還未發育完整的大肌肉運動能力、語言能力、情感能力和社會交往能力，等於把孩子從培育創造力的土壤中拔了出來。
Franz Wilhelm Seiwert Fabrikarbeiter
這就是為什麼很多報過美術班的孩子，上課畫的驚為天人，在家畫的嚇死個人。
為了讓家長看到孩子肉眼可見的進步，培訓行業不遺餘力的形成一個個套路，教給孩子畫出來效果閃亮但千篇一律的畫。
急躁的社會現實，把最終的畫面效果逼成了美術培訓業的生命線，逼成必須給家長的交代。
有一句話是誰說的我忘記了，但真的很好：「人生就像一場旅行，在乎的不僅是目的地，還有沿途的風景。」
畫畫也如旅行一樣吧，重要的是探索，發現，甚至失敗的過程，而不是最後那張好看的畫。
我們很明確，孩子的畫首先是為了塑造自我，不是用技法來規訓；是鍛鍊觀察力和感受力，不是記憶力。
盧梭在教育上有一個很重要的觀點：「12歲以前的兒童，知識主要來自於感覺範圍，需要的是直觀教育。12歲以後才有更多理性的發揮。」
Franz Wilhelm Seiwert Mann mit Maschinen Fabri
孩子學說話的過程，是無時無刻不沉浸在一個語言環境中聽、看、觀察，在一字一句中自我糾錯，最後形成語言。
畫畫和學習語言的過程一樣，是成長過程中的必經之路。要知道，成長的過程很漫長，需要等待，需要陪伴，需要觀察。
興趣班銷售代表經常掛在嘴邊的一句話就是：「孩子天生就是藝術家，你看你家孩子畫得多好！有天分呢，要從小培養，再不學畫就晚了。」
這話聽聽就行，別當真。
安格爾作為藝術史上罕見的新古典主義大師，也不過是12歲才開始學習繪畫。梵谷27歲才開始畫畫，也不耽誤人家成大師。
大量美術培訓最大的問題就在這裡，招生數量、教室利用率、公開課轉化率、消課率、續費率這些商業目標左右著教學的套路。
他們急切地想要家長看到孩子大踏步的提高，明顯的進步，一幅比一幅好，於是省略了觀察，省略了陪伴，省略了耐心和等待。
Betriebsorganisation
1922 Seiwert
是，每一幅畫都好看，都完整。但孩子本應該在塗鴉，畫畫過程中經歷的思考缺失了，體會沒了，觀察沒了，感受也沒了。
一天一天的學畫，等於一天一天的遠離藝術。
藝術的核心是創造力，不是學會畫好看的畫。
藝術教育最重要的是想盡一切辦法，讓孩子在長大的過程中體會到創造的樂趣。
愛爾蘭詩人葉芝說：「教育不是注滿一桶水，而且點燃一把火。」
咱們做父母的那些所謂的人生經驗，不過像車子上的後視鏡一樣，只是給孩子看看你以前走過的路，為的是讓他走好自己的路，成為一個獨一無二的自己。