广义地说，所有艺术创作都是写意的，包括工笔和超写实派，这里说的写意画，特指中国画中的写意画，包括写意花鸟、写意人物和写意山水画。
写意中国画似乎已经走进了死胡同，市场、艺术上下不讨好。
写意中国画的出路在哪里？我认为要对其三个基本特性：一是笔墨的书写性，二是“意象”的简约与新颖性，三是“写意精神”的时代性，进行新的定位和认识，特别是对“写意精神”的理解和认识，需要与时俱进。
一、笔墨的书写性
一说到书写性，很多人就强调“书画同源”，认为就是用书法的技法画画，好像不会书法就不能画好中国画似的，其实我认为这是一个认识误区。不错，线条是中国画最具审美特征的符号之一，我们强调所谓书写性，是指运用书写的笔势、书写的意识去画中国画，目的是达到线条的连贯性、流畅性，功力深者如抓铁有痕，老辣而不俗，而不是拘泥于书法的技法、笔法，因为书法的技法与国画的技法必竟是二码事。
书写性强的作品，不描，不涂，不抹。描者，笔无起伏收尾，无波折顿挫，完全不讲笔法。涂者，仅见其墨其色而不见其笔，见肉不见骨，墨中无笔。抹者，即横拖直拉，甚至将笔倒置于纸上，并非笔为人运，乃是人受笔牵。“描，涂，抹”出来的作品，可能视觉效果很好，但与中国画“意到笔不到”“笔断意不断”的线条美、形式美，就越走越远了。
书写性不仅是写意的手段，其形式本身就是写意，体现形式上的美感。或者说，书写性是中国写意画的一个基要特征。
为什么强调中国画的书写性？这与中国画特有的工具--毛笔是分不开的，毛笔特有的性能，就要求我们用书法用笔，通过笔的转折顿挫，线条的粗、细、直、刚、柔、轻、重之变化，通过墨的浓、淡、干、湿、黑“五色”之运用，来表现画面的主题意境，或华滋、浑厚，或飘逸、隽秀，才有中国画特有的“味道”。从这个意义上去理解国画的“书写性”，去理解明代唐寅所说的：“工笔如楷书，写意如草圣”，去理解“书画同源”，才能明白书写性对于中国写意画来说的重要性，也是国画区别于世界任何画种的根基之所在。
二、“意象”的简约与新颖性
传统中国画和古诗词创作中的平仄格律、戏曲艺术的唱念做打一样，都形成了一套成熟的表现程式，比如人物画有一波三折，钉头鼠尾、铁线描、高古游丝描等十八描；山水画有大斧劈、小斧劈、鬼面皴、披麻皴等十六家；花鸟画有泼墨、破墨、双勾没骨等手法。历代画家在绘画创作中，根据千变万化的大自然和社会生活，探索总结出了一套极其丰富的程式化的形式语言和符号，这是学习中国画回避不开的门坎。
现在的问题就出在程式化上，很多人学画从临摹画谱或古画开始，不是说临摹不对，而是一临摹就坏了，被古人那套厉害的笔墨程式和构图程式所淹没，再也走不出古人的樊篱和束缚，一笔一划讲究来历，拘泥于古人的“唱、念、做、打”，画出来的东西自然就刻板、教条、概念化，这是写意画最忌讳的。
实际上，从徐渭到八大，到齐白石、张大千，这些写意画的大家，都是在通过自己的表达手法，不断打破古人的程式，表达自己心意，并在实践中不断地丰富、创造着新的程式，所以齐白石老先生说：”学我者生，似我者死”，对于写意画家来说，可谓说到点子上了。
好的写意画，都是从理性到感性的升华，能充分利用古人或前人所创造的意象符号，废古人之短，成后世之长，敢于打破前人的程式和语言，不被程式化的东西所束缚，创造出新的图式和语言。你看徐渭的《墨葡萄》笔墨淋漓（中国表现主义萌芽）、八大翻白眼的鱼、齐白石的虾、张大千的泼墨、黄胄的驴、吴昌硕的菊花---这些在美术史上，都是辨识度极高的写意画。
写意画是对事物的高度艺术概括，讲究以少胜多，画的是艺术家心中的“象”，而不是自然中的具“象”，你看八大的画，画中的鱼、秃鹰，都是人格化的符号，是画家心中的“意象”，不是自然界实体的鱼和鹰，不拘泥于真实细节的描摹。所以写意画最怕画得“像”，最怕写实，把“意象”画得实实在在，构勒得清清楚楚， 这是写意画区别于写实画最大的不同。
齐白石说：“太似为媚俗，不似为欺世。妙在似与不似之间”，道出了写意国画高度提炼生活，凝聚升华形式语言的艺术真谛。
三、“写意精神”的时代性
随便来几笔，“逸笔草草”，不是写意画；潦草、乱涂乱画更不是写意画。
“写意精神”是中国写意画最本质的特征。
写意画的“意”，不仅体现在形式上的写意美，比如简约、概括，比如书写性，最重要的是，作品是否有一种“味道”，或趣味盎然，或意境幽远，或气息浓郁等，比如齐白石笔下的虾，生动有趣；李可染笔下的牧牛，充满童趣；张大千笔下的泼墨山水，意境旷远，痛快淋漓；黄宾虹笔下的“黑山黑水”，厚重又空灵，自得神韵。
画者无声诗。每个画家，在不同的时代，都有心中不同的“意”，而审美的意趣是随时代而变化的，古人有古人的意趣，当代有当代的审美。不论工笔或写意画，无论“具象”还是“意象”，均是寓意于形，以形传神，以形达意，区别在于你表现的是什么“意”。
绘画是给今人或后人看的，不是给古人看的，现在很多画家尤其是走文人画路子的画家，把写意画引向了一个误区，认为只有表现传统中国画中那种楼阁雅士、萧疏高古意境的，才是高境界，真写意，痴情于所谓“神品、妙品、能品”“天人合一”，把好好的写意精神神秘化、玄虚化，其实这也是没有走出传统思维的一种表现。你看钱松岩的红画，画面中有大量农田改造、工业化的时代印记，但没不防障画面的整体美，反而充满那个热火朝天的时代生活气息，成为中国写意山水画的经典。
有没有“写意精神”，不是看画什么，关键是看画家是否融入时代，是否带有真感情，如果在当代我们还痴迷于古典的残山剩水，痴迷于古代文人画的萧疏荒寒、高古虚缈，这种“写意”是没有意义的。
一般来说，好的写意画，花鸟画是有生气的，人物画是有神气的，山水画是有灵气的，特别是山水画，很多画家学黄宾虹，但画出的山水死气沉沉，好像大火烧过的山，没有一点生机与活力，不是现代人能感受到的当代山水，这种“写意”，品位与格调其实是在重复古人或前人的冷饭，不要也罢。
写意画强调品位与格调，强调气韵为上，忌火气、匠气，俗气，要避免这三气，既不能太入世，急于求成，也不能太出世，沉迷于传统，一味强调所谓“雅”，也会走火入魔，与时代审美脱节。所以艺术家要关心时代，热爱生活，才能真正把中国画的“写意精神”发扬光大。
文/风子