混元No.1
300×240cm
布面丙烯
2019
"道跡——祁海平藝術展"已於2019年11月23日在北京錦都藝術中心展廳開幕。本次展覽由北京錦都藝術中心主辦，天津海河人才贊助，由中國著名藝術批評家、哲學博士榮劍先生擔任策展人，由中國藝術研究院美術研究所研究員、博士生導師王端廷教授擔任學術主持。
回到繪畫的原點
文/王端廷
在中國抽象藝術界，祁海平是一位較早開始抽象藝術探索、具有明確的構成要素、清晰的演變軌跡和鮮明的個人風格的抽象藝術家。他從中國傳統哲學思想中獲得啟發，找到創作主題，建構自己的抽象世界，以「道」為本，黑白（陰陽）為相，以音樂節奏為韻，以行草書法的方式為語言，計白當黑，在點線交叉重疊中尋求虛實疏密變化。無論是混元一氣的淋漓書寫，或者是相反相成的黑白變化，他的抽象繪畫從本質上還是表現一種生命的自由運動，以達到宇宙節奏和生命精神合一的境界。
祁海平的抽象繪畫有兩種類型：一類是塗抹式的塊狀抽象，另一類是書寫式的線狀抽象，這兩種抽象方式一直同時存在、並行發展。這兩類抽象除了繪製方法不同，在色彩的運用和搭配上完全一致。他將色彩的使用嚴格限制在單色系之內，努力避免絢麗而豐富的色彩對感官的刺激，而力圖通過冷靜而單純的色彩使人產生心靈的震撼。
事實上，祁海平的抽象繪畫是一條不斷擺脫具象、日益簡化之路。這是一種形與色的雙重簡化，最終祁海平的抽象繪畫回到形成繪畫的最基本的元素——線，他的最新作品幾乎就是帶有音樂旋律和節奏的線條舞蹈之物化痕跡。應該說，這是極簡主義之後抽象繪畫向縱深維度更進一步的推進，是形式主義終結之後繪畫向本體更進一步的回歸。除了繪畫之外，祁海平還通過非繪畫材料和裝置藝術手段拓展抽象藝術新的可能性，體現自己無拘無束的自由創造意志。
跡No.1
240×200cm
布面丙烯
2019
游
160×160cm
布面丙烯
2018
化
150×100cm
布面丙烯
2019
青花魂2018.No.3
200×190cm
布面丙烯
2018
青花魂2018.No.4
200×190cm
布面丙烯
2018
黑色主題No.35
300×200cm
布面油畫
2003
光線·書法塗鴉No.4
200×100cm
布面丙烯
2017
光線·書法塗鴉No.5
200×100cm
布面丙烯
2018
以下訪談內容節選於《漫藝術》雜誌「內觀與曠達「專刊
——祁海平：繪畫需要直指本心
漫藝術 =M：了解您長期的作品脈絡的人會發現，其實您並非是一位「典型」的抽象藝術家。從 九十年代中期開始，您的作品逐漸放棄具體的敘事性圖像，但是這個變化背後的方法論並不來自抽象藝術的學理邏輯？
祁海平 =Q: 康定斯基偶然從一幅放倒的畫發現了抽象之美，進而才產生抽象藝術的理論。畫家的某種轉變往往產生於感覺的觸發，我不知道多少畫家開始是從學理出發來畫畫的？我的轉變的確不是源於某種理論，而是一種內心需要，一種對自由的追求。當然轉變的過程中也伴隨著對抽象藝術學理的研究。
我業餘學畫就喜歡書法和寫意國畫，深受寫心暢神的畫論的影響。1978年上大學以後才真正接觸油畫，當時對油畫不熟練，畫得很拘謹，心裡一直神往大寫意的畫風，但找不到與自我心性契合的方式，那個時代印象派剛剛解禁，根本沒有想過將來會搞抽象藝術。1987年我們幾個業餘愛好書法的同學搞了兩次現代書法展，把宣紙鋪在地上寫很大的字，那種暢快的書寫狀態和鮮明的黑白意象給我留下了深刻的印象，也是後來我的油畫發生變化的契機。1989年至1991 年我在中央美院油畫創作研修班學習，結業創作時畫了一組音樂題材的作品，實際上只為當時的油畫研究找一個載體，沒想到後來也成為抽象轉變的開端。
學習結束以後，我強烈意識到個性的重要性，追求鮮明的效果。我把現代書法的感受融入油畫創作中，我用水墨來畫創作稿，宣紙的偶然性和不可控帶來更多視覺的想像。當時接觸了現代音樂，深受震撼，也是形成大塊黑色畫面的原因。隨著認識的深化，我體會到形式的意味和語言的獨立，逐漸從具象中脫離出來轉變到抽象。表面上看我是在發展變化，實際是一步一步回歸自己的內心。中國人很愛講正宗，例如什麼才是正宗的油畫？什麼才是正宗的抽象？我過去為了解什麼是正宗的油畫去研究大師技法，參加法國專家技法班學習，現在反而想消解油畫感，用丙烯或綜合材料來創作。我們一般所說的抽象只是非具象的統稱，其實每個畫家的想法都是非常具體的，甚至有些抽象畫家稱自己是具象畫家。我不太在意名稱，叫抽象或者叫「意象」都無所謂。曾經有個訪談問我，如果換一個詞，會用什麼詞來代替抽象這個詞？我說是「心象」。
M: 具象痕跡在您之後很長時間的創作中時有出現，比如《黑白交響》系列，您本身也具備紮實的具象造型技術，那麼您在創作中怎麼處理您具象經驗和抽象表達之間的關係？
Q: 我們這一代人都是從寫實基礎訓練出來的，而且在深入描繪對象方面下了很多功夫，以至於我從寫實轉變到抽象經歷了一個非常艱難的過程。
隨著我對音樂題材的深入了解，我將形象的細節模糊化，強調筆觸的表現力和材質的厚重感，使之融入整體旋律的氛圍中，表達內心強烈的感受。這組作品是一個過渡的階段，轉變為抽象以後，有機構和畫廊收藏還陸續畫過一些，畢竟理解抽象的人還是少數。早期這些畫消解細節，注重團塊的構成，追求材料的厚重感。後來則精細與粗放對比 , 類似潑墨山水，時而雲煙混沌，時而出現山石樹木，是一種具象和抽象交互轉換的狀態。
M: 您提到書法和音樂對您作品的重要啟示和影響，而西方抽象所注重的是形式構成和心理邏輯。兩種不同的路徑，最終都指向的是一種抽象的結果。那麼面對西方經過近百年發展，語言成熟，學理嚴密的強勢的「抽象」，您覺得您的「抽象」最大優勢是什麼？
Q: 書法和音樂的只是感性的領悟和啟示，實際上那段時間我對形式構成和抽象理論，以及西方抽象藝術家的發展個案都有很多關注，專門讀了一些書，也做過很多語言實驗。我感到過去學習的傳統油畫更多是描摹自然規律，而繪畫自身的形式規律還需要補課。只是我一般很少去談背後所做的功課，就像我們在談油畫創作時不會去說在解剖學下了多少功夫一樣。戈爾基說「前二十年的藝術就可以作為我的傳統」，而我們學畫幾乎從蘇派追溯文藝復興，又回到19世紀，再到現代主義、當代藝術，加上各種外部環境的限制，要經歷多少困惑，扔掉多少包袱才走到今天，想來實屬不易。西方抽象藝術已經發展得相當成熟，以至於令後人望而卻步。其實繪畫發展到今天，哪一種樣式沒有人做過呢？所以我不覺得自己有什麼優勢，既然選擇繪畫，就不要奢望一起手就是前無古人的。選擇什麼表達方式首先要看它是否符合自己的內心需要。同時我認為要從自己的素養和文化背景出發，結合當下的認識和感受，走出自己的路來。我在了解西方抽象藝術發展邏輯的同時，也在不斷尋找自己的學理，從中國的傳統文化資源中汲取營養，逐漸形成自己的藝術特點。
M: 書法和音樂各有其章法和秩序，那麼轉換到抽象繪畫上，在看似自由、揮灑、一氣呵成的畫面之下，除了感性和情緒之外，怎麼規控畫面的秩序和視覺邏輯？一幅作品被完成的過程中，會反覆修改嗎？完成的標準又是什麼？
Q:「一切藝術都趨向音樂」 （宗白華）。書法和音樂分別訴諸視覺和聽覺，完全是兩種形態，但是也有相通之處。音樂是時間的藝術，書法的運行也是時間流動的痕跡，我看一幅書法長卷的疏密節奏、起伏跌宕如同聆聽一首交響曲的幾個樂章。漢斯立克認為音樂的本質是樂音的組合變化形式，從這一點看來，音樂與抽象繪畫的點線面形式完全相通的，因此由繪畫元素構成的抽象形式就是一種視覺的交響。
當然繪畫不是為了圖解某一首音樂，我在音樂中感受到的不是樂理知識，而是一種情感的空間，博大而幽微，恢宏且神秘，這是我的繪畫從描摹物像轉入表現心性受到的啟發。對於音樂的理解並不止這些，老子的「大音希聲」，莊子的宇宙「天籟」，都是更高的境界。
我的繪畫狀態是在不斷變化的，視覺標準因畫而異。有時是有明確的主題和視覺要求的，或混沌神秘，或鮮明斑斕。有些作品是多次反覆，不斷破壞再不斷建立，製造矛盾再解決矛盾，直至達到線條和空間的有機融合。有些出於某種偶發的動機，從一畫開始，筆筆生髮，像水一樣因地制流隨形就勢自然完成，帶有極大的偶然因素。有些完全是單純的想法，如空間的疊加或某種符號書寫，這時往往是一氣呵成，無法改動。我認為繪畫是有自己的生命的，在過程中不斷地變化。我的經驗是隨時地觀看，在大量偶然因素中發現各種可能性，順其自然地駕馭它的生長，直至完成。
M: 您覺得藝術語言的不斷純熟是否會對藝術家的創造力產生一定製約？
Q: 這個問題要從兩個方面來看：
對一個畫家來說，純熟就意味著自由。繪畫是由熟練到精湛再到頓悟的一個過程，所以駕馭材料和技巧的純熟是非常重要的，否則不可能達到自然流淌和心手雙暢。不能設想一個詞彙量貧乏、造句都不熟練的人能寫出好文章來。我甚至說過「有時找到了手感就找到了靈感」。這時就意味著心和手的電路接通了，莊子的「庖丁解牛」就是由技入道的最好例子。
另一種情況是語言與創新的關係。藝術家有一種新的思維和創造性追求，需要尋求相應的藝術語言，這時固有的完美語言體系往往會產生制約作用，藝術家需要採用新的語言方式。
我從來不擔心純熟會帶來的制約，當我心裡有一種想法要表達的時候，我認為越純熟越好！但是如果我有新的想法和追求，我也會大膽地改變和放棄原有的東西，就像當初放棄寫實繪畫，直到現在還有人替我惋惜。
M: 您覺得您在藝術語言上進入到一個純熟期了嗎？如果進入了，是什麼時間進入的，怎麼覺察到的？
Q: 個人藝術語言的建立要經過不斷的探索，一件藝術作品也要經過錘鍊才能達到完美。我是一個追求完美的人，做任何事都想達到純熟的地步。1994 年開始探索抽象藝術，我如同脫胎換骨，兩年都畫不出像樣的東西。1996 年以後初步形成面貌，畫出來一些完整的作品，但說不上純熟。以後我在不同的階段的有不同的追求，從黑白分明化入混沌一體，從音樂主題轉到哲思感悟，從厚重的油畫肌理變為平滑流暢的純粹書寫，每一個階段都是豁然開朗和艱澀困難的時候，直到現在還是這樣，有些作品長期完成不了，有些一氣呵成，難以重複。不過相對於早期探索階段還是熟練了許多。
M: 書寫性和水墨意味貫穿在您長期的多個系列的創作中，東方美學現代性轉化是當下中國藝術家必然面對的課題，但是如何不落入淺表的語言置換，或者策略性的形式借用，這是一個難題。作為有著幾十年探索經驗的代表性藝術家，想了解您在這方面的一些心得。
Q: 我的藝術追求是沿著自我心靈的軌跡發展的，這種東方美學角度的確立首先是源於一種情感的熱愛，進而轉化為一種氣質的流露。最初喜歡中國畫和古代畫論，學油畫以後最喜歡的畫家是倡導油畫中國風的董希文，轉到抽象繪畫的原因是因為現代書法的啟示，黃賓虹積墨山水的局部讓我發現了筆墨的抽象精神，我長期堅持書法的研習，除了對書法本體喜愛以外，也是一種文化的薰陶。我愛好傳統詩詞，幾十年斷斷續續地寫了一些，剛出版了一本詩詞選集。由此可見，我的選擇完全出於個人興趣使然。中國的一切藝術（包括觀念和語言）都源於傳統的宇宙觀和哲學認識，這是中國傳統文化的主脈。我從中國古典哲學中獲得了大量的感悟和啟示。例如老子的道與自然、莊子心性說，易經陰陽卦象學等等，包括其中語言的美感，經常啟發我的創作靈感，為自己的創作乃至色彩元素找到理論依據。我的不同時期的系列創作主題大多與這些背景有關。繪畫是一種視覺經驗的積累，除了形式語言的實驗以外，明確的內容要求也會產生相應的語言，我希望探入中國傳統文脈深處，並從中生長出自己的藝術語言。與此同時，我認為應該站在現代人的立場審視傳統文化，結合當下的認識和感受，進行當代轉換，才能煥發出新的張力。
M: 在著眼於東方美學、現代性等等這些宏觀的命題之外，個人心性和個體體驗這些內觀性的因素在您創作中如何相互平衡？
Q: 過去總感覺寫實是在描繪「他者」而不是表達自我，具象的因素會把觀者的注意力引向題材的表面（如畫演奏者），而不是心性的圓滿呈現，因此我轉變抽象的原因也是出於對單純的追求。我感到繪畫不需通過物象，而是要與心性融為一體，如同禪宗一樣直指本心，達到人畫合一才是最高的境界。繪畫既是一種心性的呈現，也是一種體驗的方式，通過繪畫的方式達到對道的參悟。練習書法時長期臨一本字帖並不會感到厭倦，因為總會有新的體會，可見經典永遠都擺在那裡，真正不斷變化和精進的是個人的感覺。我發現一段時間內只喝一種茶，不但可以深入地體會其品質特點，也能夠更敏銳地區別其他茶的品味，由此我也意識到，只有專注於單一的方式，並在不斷地重複中才能達到體驗的深度。
M: 修習傳統書法，著迷古典音樂，作為一個「文人式」的當代藝術家，您怎麼理解「文人」這個概念？是一種身份？符號？或者是一種生存方式？
Q: 我不知道自己是否是一個文人式的藝術家？修習書法、喜歡音樂、熱愛畫畫的人很多，但不一定就是文人。我理解的「文人」大概是具有較高的文化素養並顯現出特定文化氣質的人。文人也可以是一種特指的身份；也是外界對某一類人的認知符號。文人有自己的生存方式，對其自身來說也許並不是自覺的，所以我以為「文人」除了自身的特質外，更多是一種外界賦予的稱謂。
｜展覽現場｜
｜ 論壇現場 ｜
展覽同期還舉辦了「祁海平藝術」論壇，參與論壇討論的有：著名評論家、策展人、上海戲劇學院教授李旭先生，中央美術學院美術館館長張子康先生，著名批評家、策展人、天津美術學院教授高嶺先生，著名批評家、策展人楊衛先生，著名批評家賈方舟先生，著名批評家、藝術家鄧平祥先先生，著名理論家徐虹女士，著名藝術家、中央美術學院教授張國龍先生，祁海平教授
祁海平關於「道跡」的思考：
我這些年畫畫一直在尋找一個「本」，弄清楚這一點就找到了源頭，一切由此來演變生髮。
從哲學上看，這個「本」就是宇宙的本體精神「道」，道生陰陽，陰陽跡化而生萬物，也就是「一生二，二生三，三生萬物」的原理。
客觀世界是有形的，而精神世界是無形的，對於形而上之道的追求和感悟，是我關注的焦點，而所謂抽象或具象只是便於描述的風格劃分。
道是有生命的，宇宙之氣生生不息，其中有象，其中有物，老子稱之為「恍惚」，其實就是在深邃的空間裡涌動的無窮的生命意象。作品是一個靈魂之窗，是博大而幽微的玄妙之門，一種心象的隱喻。既有理性的思考，又包含了感性的生命精神的表達。
色彩有豐富之美，也有單純之美，我喜歡單純甚至單一的色彩。我認為單色勝於多色，因為它具有鮮明的特徵，而且更具有象徵意義。我學畫從彩色開始，一直追求到色彩的終極-黑白，從視覺上看高度的鮮明單純，實際上它更有哲學的意味，「一陰一陽之謂道」。黑白相混(陰陽相合)達到黑灰，「其上不皎，其下不昧」，因此是最接近「道」的終極狀態-無色。我的色譜是這樣的序列：黑灰-黑白-單色系-多彩世界，也是一個從無到有的過程。
太朴鴻蒙，出現了「一畫」，就是繪畫最初的元素「跡」。由跡生形、生象、生畫、生字。
從表現形態來看，也是從混沌產生一畫之跡，進而演變為符號，乃至萬物的客觀形態…。
了悟繪畫之本質，便可打破一切束縛，由此建立任何形式的繪畫。可單純可豐富，既可抽象也可具象……
漢字和繪畫同生於跡，古人所謂的「書畫同源」， 我以為不只是用書寫的方式畫畫，其實象形文字也是一種繪畫符號，可以說一個漢字或者一組漢字的空間疏密的構成就是一幅畫。
書法是我的繪畫的一個豐富的資源，它常常給我運筆用線造型和布局的靈感。書為心畫，書法也是心性之跡，即有生命的書寫。我一直用書法的方式來畫畫，分黑布白，陰陽互換，編織點線的視覺交響和精神圖像。
「大音希聲，大象無形」，持守混元一氣之道，而神遊於物之初，融天地之氤氳，狀萬物之紋理，非字非物，無始無終，縱橫塗抹，元氣淋漓，在時間和空間中穿越往來，以達到人畫合一，道跡合一，宇宙節律和生命精神的合一。
｜關於藝術家｜
祁海平 | Qi Haiping
天津美術學院教授，碩士研究生導師，歷任油畫系主任，造型藝術學院院長，現為天津美院學術委員會主任，中國美術家協會會員，中國油畫學會理事，天津美術家協會理事。
多次參加國際國內各種藝術展覽，曾獲第九屆、第十屆全國美展銅獎，第三屆中國油畫展優秀獎，中國青年油畫展大獎，中國小幅油畫展藝術獎，CCTV中國當代油畫作品展播優秀獎，天津市美展金獎。作品為中國美術館，上海美術館，中國國家大劇院，北京大都美術館，香港大學美術博物館，雅昌文化集團，天津美術館，上海MOKA當代藝術館，中央電視台，天津泰達現代藝術博物館等機構收藏。
｜關於展覽｜
道跡——祁海平藝術展
主辦機構/贊助方：北京錦都藝術中心/天津海河人才
策 展 人：榮劍
學術主持：王端廷
學術批評：賈方舟、鄧平祥、李旭、張晴、張子康、彭鋒、高嶺、徐虹、楊衛
展覽時間：2019年11月20日——2019年12月19日（周一～周五10:30—17:00）
展覽地點：北京錦都藝術中心展廳
展覽地址：北京市朝陽區酒仙橋北路9號恆通國際創新園C9號樓藍色光標公司北門
聯繫電話：010-56479060
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