藝術電影運動其實本質就是在搞文藝復興。
類似於特朗普說：讓美國再次偉大！這些藝術家們說：讓電影變得高貴！高貴個錘子，你這就是在開倒車。
因為啥呢？
因為科技發達了，因為電影變長了，因為有故事情節了，因為電影院興起了，因為那個時候看電影的人，從平民變成上流人士了。那種在酒吧看盧米埃爾小電影的日子一去不復返了。
那個時候有一個叫「藝術電影」的公司，懷著一顆憂國憂民的心，立志要把藝術性融入電影。
什麼《火車進站》，有意思嗎？
什麼《月球旅行記》，有文學價值嗎？
什麼《水澆園丁》，就是低俗喜劇嘛！
我們要拍攝一些符合於形勢變化的電影，要把偉大的文學家，音樂家和戲劇藝術家介紹給觀眾！
其實要我說你們丫就是多管閒事，我要看戲我不會去戲院啊？
當然，人家真的還拍出來了：《吉斯公爵的被刺》。
被刺的可不只是這什麼公爵，還有剛剛被布賴頓學派發展起來的電影美學。那傢伙，鮮血直流，慘不忍睹。
其實單說這部電影，是很棒的。它使用了專業的戲劇演員，專業的戲劇導演，著名的文學家撰寫劇本。電影一上映，在業界普遍享有盛名。
但是很糟糕的是，這種拍攝電影的模式，被義大利，美國等國家模仿，終於也就形成了藝術電影運動。
藝術電影運動其實就是把喬治·梅里愛的銀幕電影重新包裝了一下，換湯不換藥，是傳統戲劇觀念在電影中通過紀錄的手段得到的更進一步的延伸，這對於電影自身的敘事結構和電影語言的發展，是有害的。
所以學界一直否認藝術電影是對電影美學的探索，而是說它沉醉於傳統美學，是對於電影作為一門獨立的藝術形式，在美學觀念上所做出的根本否定。值得反思的是，這種觀念至今還沒有得到徹底解決。
北京電影學院的教材上甚至是這麼寫的：電影藝術這雙巨人的鞋子，卻伸進去了一雙侏儒的腳。
而在藝術電影運動與有聲電影之間的這段時間裡，有很多電影探索都是把電影往戲劇的方向拉，但我們挑重點的聊。
你說這有聲電影是件好事啊，電影有聲音，不就更完整了嗎？我們現在看的電影，不都是有聲音的嘛。
這是現在，其實在有聲電影剛剛誕生的時候，人們還不大能接受這種新鮮事物。當時的觀點分這幾種：
堅決反對。這種人認為電影是純視覺藝術，聲音反而破壞了完整性；
以視覺為主，聲音為輔；
反對對白。敲黑板，這是重點；
聲音沒有形象，這是巴拉茲的觀點；
聲音不能重複畫面；
歡迎聲音。
我們主要看反對「對白」的這些人。這些人是被搞怕了，他們擔心一旦對白加入電影，會把電影變得像戲劇一樣，會把可見的動作視為癱瘓。這樣的擔心不無道理，我們接下來就要談談有聲電影是怎樣使電影美學倒退的。
嚴格來說《爵士歌王》並不能被稱為一部有聲電影，因為它只有幾段對白和配樂有聲。但這種電影在當時，幾乎場場爆滿，製片公司發現有錢賺，那還不趨之若鶩？
大家紛紛投入資金，開始拍攝有聲電影。但問題在於，有聲電影的拍攝需要收音，而攝影機會發出很大的聲音。看過諾蘭的電影的人都知道，諾蘭一直用膠片機拍攝，聲音都很大，更何況是那個時候的好萊塢。
那怎麼辦呢？人們發明了一個隔音的玻璃屋，但問題在於，玻璃屋不能隨時移動啊，它限制了電影機的運動。無聲電影藝術家們做出的貢獻，在這時被丟到一邊，人們的關注點，全都放在了有聲這兩個字上了。
攝影師很煩，演員也煩啊，現在要收音，要錄對白，有些發聲有障礙的演員就不得不離開好萊塢，也是這時，百老匯的歌舞劇演員順勢進入了好萊塢，大量的戲劇作家也一股腦湧入電影行業，他們一起努力，將電影又拉回了紀錄戲劇的道路。
製片公司呢？只要有錢賺，管你什麼電影美學，都是扯淡。電影對他們來說，就是工業化的娛樂商品。
勞遜在《電影的創作過程》中說：「電影院成了某種冒牌的戲院」。
這就是為什麼很多人反對聲音加入電影。
有趣的是，卓別林也是一個反對聲音加入電影的人，但他有時候也不惜代價加入台詞。
在拍攝《大獨裁者》時，為了最後一段鼓舞人心的獨白，卓別林不得不破例讓夏爾洛說話了。
有電影合作夥伴告訴他：這段演講會讓你損失一百萬。卓別林答：就算損失五百萬，又怎麼樣呢？
當然，聲音加入電影肯定是利大於弊，我可以回頭再寫一篇文章分析分析，但是今天我們討論的是電影與戲劇的關係。
其實這個關係很複雜，也很微妙，一篇文章根本不夠解釋。譚霈生先生研究了一輩子，周傳基先生也研究了一輩子。我希望我們的青年，也能夠繼承他們的衣缽，為了中國電影事業，奮鬥一輩子。
最後，分享一段來自雨果《克倫威爾〈序言〉》中的文字：集中起來，凝聚起來，把微光化為光明，把光明化為火光。